Eine Sternstunde: Die Ausgrabung von Cavallis La Calisto an der Berliner Staatsoper
Im Rahmen der Barocktage 2026 der Staatsoper Unter den Linden wurde ein Meisterwerk der venezianischen Barockoper herausgebracht, komponiert von einem ihrer maßgeblichen Protagonisten: Francesco Cavallis La Calisto. Die Oper aus dem Jahr 1651 war schon einmal, in den 1990er-Jahren an der Staatsoper ein Riesenerfolg, damals dirigiert von René Jacobs und inszeniert von Herbert Wernicke. Nun kommt das Stück über die verwegenen amourösen Abenteuer der antiken Götter zurück nach Berlin, in einer Koproduktion mit dem Musik Theater an der Wien, wo Stefan Herheim die Neuproduktion inszenierte, die am 22. September dieses Jahres herauskam. Zu hören sind in der Berliner Staatsoper Musiker des Originalklangensembles L’Arpeggiata und der Akademie für Alte Musik, am Pult Christina Pluhar.
Francesco Cavallis La Calisto zeichnet sich durch musikalischen Reichtum und eine außergewöhnliche Konturenschärfe der Figuren aus, zudem durch ein anspruchsvolles Libretto voller ernster wie komischer Situationen und Charaktere. Vielschichtig, geradezu labyrinthisch sind die Handlungsstränge, überraschend die Szenenwechsel und Wendungen des Geschehens. Die mächtigste aller Leidenschaften, die Liebe, ist die treibende Kraft, der alle Handelnden in Irrungen und Wirrungen unterworfen sind, seien es nun Götter, Naturwesen oder Menschen. Von der Staatsoper Unter den Linden wurde angekündigt, dass Regisseur Stefan Herheim dieses bunte Kaleidoskop der Leidenschaften in Art einer „barocken Science Fiction“-Ästhetik in Szene setzt.
Tatsächlich zeigt Herheim das hochkomplexe Stück mit den vielen Szenenwechseln als „modernisierte“ Barockoper, mit Projektionen und Videos (Roman Hagenbrock), die gemalte Prospekte ersetzen in einer Art Zeittunnel, wie wir ihn ähnlich in Götz Friedrichs Ring sahen. Das Bühnenbild von Silke Bauer ist eine Röhre mit Freitreppe, die von beweglichen, räumliche Tiefe suggerierenden und veritabel ausleuchtbaren (Licht: Stefan Herheim und Karl Widemann) Bögen gerahmt wird. Die Verwandlungen in Halbmonde, Sternenhimmel und ein „schwarzes Loch“, in dem durch Licht und Videos Bühnenwechsel möglich sind, dürfen nicht anders als bühnentechnische Meisterleistung bezeichnet werden. In diesem schnell veränderbaren, variierenden Raum entfaltet Herheim einen „Sommernachtstraum“ der anderen, der wilden, ungezügelten Art, voller Poesie, Atmosphäre und derber Erotik.
„Es ist eigentlich ein völlig moralloses Nebeneinander von unterschiedlichsten Stilhöhen, Gestalten und Ideen, von hohen und hehren Idealen der Liebe und Treue, auch von Macht und Verantwortung. Das war auch ein Grund, warum wir uns sofort auf dieses Werk geworfen haben. Allein die Situation, dass die Welt brennt, dass es kein Wasser mehr gibt – das führt uns sofort in das heutige Chaos der Gefühle und Leidenschaften hinein. Es ist vielleicht schwer nachzuvollziehen, dass so etwas Destruktives wie die brennende Welt, wo die Menschen vor Durst vergehen, sofort verklärt wird als Spiegel dessen, was in jedem Einzelnen von uns vorhanden ist, nämlich unerfüllte Leidenschaft. Es ist das Feuer der Herzen, das gelöscht werden muss. Letztlich ist La Calisto eine unendliche Geschichte voller Leidenschaften.“ (Stefan Herheim)
Es geht im Libretto um nichts anderes als um Sex und Liebe. „Als der allmächtige Jupiter, der Urvater aller Don Juans, in Begleitung seines Sohnes und Komplizen Merkur (eine Art Leporello) auf die Erde herabsteigt, ist er augenblicklich ergriffen von der Schönheit der Nymphe Kallisto. Bei seinen Verführungsversuchen scheut er sich nicht, selbst zu „abartigen“ Mitteln zu greifen (er nimmt die Gestalt der Diana an), um sein Ziel zu erreichen: diese Figur wäre wie geschaffen für eine Operette von Offenbach. Im dritten Akt jedoch nimmt er beinahe christliche Züge an, wenn er Kallisto das ewige Leben am Sternenhimmel verspricht, unsterblich als der Große Bär.“ (René Jacobs)
Die bei ihrer Uraufführung in Venedig 1651 wenig erfolgreiche Oper beruht auf dem dreiaktigen Libretto von Giovanni Faustini, der darin einen Stoff aus dem 2. Buch der Metamorphosen, Verse 301-532, des antiken römischen Dichters Ovid behandelte. Die Uraufführung fand am 28. November 1651 im kleinsten Theater Venedigs statt, im Teatro Sant’Apollinare. Die Oper geriet zu einem Reinfall. Erst später erkannte man die Größe des genialisch-amoralischen Werks.
Die Inhaltsangabe der Oper klingt kompliziert, doch genügt es zu wissen, dass Diana mit keuschen Nymphen lebt, Jupiter (Giove) sich in eine davon – eben Calisto – verliebt, und diese in Gestalt von Diana verführt und schwängert. Man kann sich denken, wie eifersüchtig Dianas Verehrer darauf reagieren, und dass Diana und Jupiters Ehefrau Juno (Giunone) empört sind, auch wenn es in mythischer Vorzeit anders zuging als heute. Bestraft wird nämlich die unschuldige Frau (bei Ovid war noch von einer Vergewaltigung und nicht von einer Verführung die Rede). Herheim gelingt der Kunstkniff Calistos Schicksal als souveränen Karriereweg einer Frau darzustellen, die am Ende im Bärenfellmantel mit Sonnenbrille und Handtasche die Bühne verlässt.
Die Hauptakteure sind alle ihren Trieben schutzlos ausgeliefert und frönen auf tragikomische Weise der Wollust. Das Werk stellt sowohl die der gesellschaftlichen Ordnung zugrundeliegenden Moralvorstellungen infrage als auch die damit verbundenen Geschlechterrollen. Der Librettist Giovanni Faustini wartet mit allerhand Zoten, Obszönitäten, kritischen Sprengsätzen über das Verhältnis von Mann und Frau und wechselnden Identitäten auf, eine Herausforderung, der Stefan Herheim und die Choreografin Beate Vollack bewundernswert gerecht werden. Sie entfalten eine quirlig turbulente, karnevaleske venezianische Verwandlungs- und Verkleidungsintrige.
Die Kostüme von Yashi sind überwiegend antikisierend. Die entblößten Oberkörper von Calisto und den Dienerinnen der Diana weisen darauf hin, dass sie zum besseren Spannen ihres Jagdbogens eine Brust entfernt hatten. Das Personal der Faune ist durch Hörner und Fellhosen charakterisiert. Jupiter und sein Begleiter Mercurio tragen heutige Anzüge. Am Ende wird die Brücke zum Christentum geschlagen, Calisto erscheint als Muttergottes und Jupiter als Gottvater mit weißem Bart, um sich schließlich noch in den Sonnenkönig Ludwig XIV. zu verwandeln. Köstlich.
Die superbe Sängerbesetzung ist weitgehend identisch mit der in Wien: Vera-Lotte Boecker ist eine hinreißende, blonde Calisto mit Sexappeal und koloraturensicherem Sopran. Giuseppina Bridelli singt glaubhaft die eifersüchtige Juno, eine Furie und eine Anwältin der (verlogenen) göttlichen Moral wie Fricka, die ihrem notorisch untreuen Gatten stets auf den Fersen folgt. Luciana Mancini als Diana ist eine mädchenhafte „casta diva“, die allerdings so keusch gar nicht ist, was sie mit ihrem Verhalten gegenüber dem Hirten Endimione beweist, dem sie sich an den Hals wirft. Der Countertenor Arnaud Gluck singt diesen Jüngling mit schöner, heller Stimme. Der Bassbariton Milan Siljanov als Giove (Jupiter) mimt den Göttervater und Herrn des Abends. Als Diana verkleidet, singt er sogar mit Falsett im Sopran. Zweifellos eine außergewöhnliche Leistung. Ihm zu Seite der Bassbariton Renato Dolcini als Mercurio im Frack, als windiger Berater und Intrigant. Der Tenor David Tricou ist Pan, Gott der Satyrn, der ebenfalls in Diana verliebt ist, aber nicht nur in sie. Der Bass João Fernandes begleitet ihn als smarter Silvano. Ein besonderes Vergnügen ist es, den zuckersüßen Countertenor Jake Arditti auf der Bühne erleben zu dürfen. Als kleiner Satyr, „Satirino“, halb Mensch, halb Ziegenbock, der von Linfea verschmäht wird und seinem vielleicht zu kleinen Geschlechtsorgan die Schuld daran zuschiebt. Die hässliche Nymphe Linfea mit flatternden Hängebrüsten und im Nackttrikot (auf der Suche nach ihrem „ersten Mal“) singt und spielt der niederländische Tenor Marcel Beekman mit herz- und zwerchfellerschütternder Stimme und szenischer Darstellung, einem grandiosen schauspielerischen Ausdruck der Ironie und Travestie (Parodie), der ihn fast zum Star des Abends macht. Auch der Rest des Ensembles ist hervorragend in Stimme, Stil und Wortverständlichkeit.
Dazu werden die handverlesenen Sänger von Erika Pluhar auf Händen getragen. Das zauberhafte (von Liebe zu Cavalli beseelte) Dirigat der österreichischen Lautenistin und Barockharfenistin entspricht dem quasibarocken, kosmischen Zaubertheater, das Herheim szenisch entfaltet. Mit dem engagiert und klangschön aufspielenden Musikern ihres Ensemble L’Arpeggiata und der Akademie für Alte Musik bereitet sie ein prächtiges und kurzweiliges Cavalli-Fest, das sehr für sich einnimmt. Sie begeistert mit zuweilen rasanten Tempi, einem ausgeprägten Sinn für Kontraste und die Klangcharaktere der alten Instrumente, vor allem im Continuo-Apparat. Dieser spielt „eine zentrale Rolle. Die Klangpalette der Continuo-Instrumente des 17. Jahrhunderts ist ausgesprochen vielfältig: Barockharfe, Theorbe, Chitarrone, Erzlaute, Barockgitarre, Cembalo, Orgel, Psalterium, Chitarra battente, Colascione, Ceterone und vieles mehr stehen als mögliche Continuo-Instrumente zur Verfügung. Sie ermöglichen es, den harmonischen und rhythmischen Untergrund immer wieder neu zu gestalten, auf die jeweilige Situation zu reagieren und die Dramatik mitzuformen.“ (Erika Pluhar)
Hochdifferenziert und transparent lässt sie die erfindungsreiche und affektvolle Musik Cavallis, die sie ergänzt hat um Ritornelle und andere Tänze und Instrumentalmusiken des 17. Jahrhunderts, temperamentvoll und beseelt musizieren und versteht es, Cavallis Musik in ihrem Arrangement (es handelt sich eigentlich um eine komplette Neuausgabe) sogar Jazziges abzugewinnen. Chapeau! Alles in allem ein großer Abend, den man erlebt haben muss, eine „Sternstunde“ im doppelten Sinne des Wortes.
Dieter David Scholz, 9. November 2026
La Calisto
Dramma per Muca von Francesco Cavalli
Staatsoper Berlin
Koproduktion mit dem Musik Theater an der Wien
Besuchte Premiere: 8. November 2026
Inszenierung: Stefan Herheim
Musikalische Leitung: Christina Pluhar
Ensemble L´Arpeggiata & Akademie für Alte Musik
Weitere Aufführungen: 13., 15., 18., 21. November