Globe Baroque – Il giardino d'amore

Premiere: 24.08.2022

Barocke Opernszenen im Globe Neuss mit Picknick-Atmosphäre

 

In den vergangenen Jahrzehnten hat sich das Festival Alte Musik Knechtsteden (Ortsteil von Dormagen) bei vielen Musikfreunden einen hervorragenden Ruf erworben. Nicht zuletzt durch viele interessante Ausgrabungen und Uraufführungen, wurden von hier bislang an die hundert Konzerte im Radio übertragen. Auch in diesem September hat man wieder ein interessantes Programm zusammengestellt. Doch im Vorfeld des diesjährigen Festivals fand am Mittwoch, dem 24. August 2022 nun erstmals unter dem Titel „Globe Baroque“ eine Sommeroper im Globe Neuss statt. Hierzu kooperierte das Festival mit dem Kulturamt der Stadt Neuss. An dem Ort an dem gewöhnlich die großen Werke Shakespears beim jährlichen Shakespeare-Festival zu sehen sind, wurde nun die Serenata „Il giardinno d'amore“ von Alessando Scarlatti aufgeführt. Das rund 50minütige Werk wurde hierbei von Regisseur Nils Niemann in Szene gesetzt und mit einem Videodesign von Torge Møller versehen. Dabei konzentrieren sich beide vor allem auf einen passenden optischen Rahmen für das Aufeinandertreffen von Venus und Adonis im „Garten der Liebe“. Fast wie in einer Sammlung historischer Gemälde lässt Niemann die beiden Protagonisten auf der kleine Bühne durch die zwanzig (teilweise sehr kurzen) Szenen spazieren, während im Hintergrund Vögel durch den Garten fliegen oder die Sonne untergeht. Ergänzt durch die opulenten Kostüme von Johannes Ritter ergibt sich hier ein echter Augenschmaus.

 

Doch nicht nur das Auge, auch das Ohr wird an diesem Abend regelrecht verwöhnt. Die Sopranistin Roberta Mameli übernimmt die Rolle des Adonis, während der Countertenor Xavier Sabata die Alt-Partie der Venus übernimmt. Die beiden Rollen sind sozusagen über Kreuz besetzt und beide Besetzungen sind ein wahrer Glücksgriff für diese Aufführung. Mit ihrer kristallklaren Stimme löst Mameli beim Publikum wiederholt große Beifallsbekundungen aus. Mit ihrer großen Schlussarie setzt sie ein weiteres Highlight des Abends. Sabata überzeugt mit großer Beweglichkeit in den Koloraturen und einer im allgemeinen sehr angenehmen weichen Stimmlage. Auch szenisch stattet er die Liebesgöttin mit großer Eleganz und Erhabenheit aus, selbst beim wohlverdienten Schlussapplaus bleibt er in der Rolle verhaftet. Positiv anzumerken vielleicht noch, wie sich beide Stimmen vor allem beim Schlussduett „Vieni, vola, soave contento“ wunderbar ergänzen und zusammen harmonieren. Musikalisch begeistert aber auch das hervorragend aufspielende Ensemble 1700 unter der musikalischen Leitung von Dorothee Oberlinger. Die 16 Musiker und Musikerinnen bringen die farbenreichen Naturbilder mit der alten Musik in einen ganz besonderen Einklang, den man kaum in Worte fassen kann.

 

 

Da die Serenata für einen Abend zu kurz ist, erklangen zuvor noch zwei Werke durch das Ensemble 1700. Der Abend begann mit einer Sinfonia aus Scarlattis „Venere e Amore“, gefolgt von einem Concerto IX a-Moll für Blockflöte und Orchester. Dieses Konzert entstammt einer bemerkenswerten Sammlung von 24 Blockflötenkonzerten verschiedener Komponisten aus Neapel, die 1725 zusammengefasst wurden. Dorothee Oberlinger ist neben Ensembleleiterin, Dirigentin, Festivalintendantin und Hochschulprofessorin auch eine hervorragende Blockflötistin, so dass sie hier die Soloflöte übernahm. Ihr teilweise virtuoses Spiel mischt sich immer wieder mit großen Orchesterpassagen, so dass das Publikum bereits nach diesen beiden Einführungswerken begeistert allen Musikern dankte. Ohne Klimaanlage ist es in dem elisabethanischen Theater-Nachbau allerdings bei den hochsommerlichen Temperaturen der letzten Wochen wahrlich warm. Dennoch spendete das Publikum auch am Ende erneut einen lautstarken und anhaltenden Applaus und lauschte trotz der Hitze gerne noch der Zugabe „Ma quando sará“ aus Francesco Cavallis „Il rapimento di Elena“. Am Ende steht ein wunderbarer Opernabend mit Picknick-Atmosphäre an einem warmen Sommerabend und die Hoffnung, dass es einen solch wunderbaren Abend in Zukunft öfter geben wird. Das recht zahlreich anwesende Publikum und die gelungene Umsetzung des Abends sprechen hier eindeutig für den Beginn eines jährlichen Ereignisses, auf das man sich dann schon lange im Vorfeld freuen kann. Mit „Globe Baroque – Sommeroper im Globe Neuss“ hat man hierfür ja auch bereits einen passenden Namen gewählt.

Markus Lamers, 27.08.2022,
Fotos: Johannes Ritter (Bild 1 & 2) / Nicola Oberlinger (Bild 3)

 

 

Opernhäuser als Inszenierungs-Museen

Ein Streifzug durch die Regie-Klassiker der deutschsprachigen Theater

Das moderne Regietheater bietet immer wieder neue Einblicke und Sichtweisen auf altbekannte Opern: Peter Konwitschnys Hamburger „Lohengrin“ im Klassenzimmer, die „Nabucco“-Inszenierung von Hans Neuenfels mit den Baalspriestern als Hummeln an der Deutschen Oper Berlin oder Calixto Bieitos „Entführung aus dem Serail“ im Sado-Maso-Bordell an der Komischen Oper gehören für mich zu solchen Theatererlebnissen. Gleichzeitig ist es aber, des Kontrastes wegen, immer wieder spannend eine Reise ins Opernmuseum zu unternehmen. Da erlebt man Inszenierungen, die schon mehr als 30 oder 40 Jahre alt sind und ganz andere Sichtweisen präsentieren, da sie aus einer ganz anderen Epoche stammen. Die großen deutschen Repertoirehäuser bieten da zum Glück eine schöne Auswahl an.

 

So hat die Deutsche Oper besonders viele Museums-Inszenierungen im Repertoire: Da gibt es immer noch Boleslaw Barlogs unverwüstliche „Tosca“-Inszenierung aus dem Jahr 1969, die „La Gioconda“-Produktion von Filipo Sanjust (1974) in Originaldekorationen der Entstehungszeit, „Figaros Hochzeit“ in einer Produktion von Götz Friedrich (1978) und Lucia di Lammermoor“ von 1980. An der Hamburgische Staatsoper kann man immer noch Gian-Carlo del Monacos „Cavalleria rusticana /Bajazzo“ von 1988 und die legendäre „Tristan und Isolde“-Produktion von Ruth Berghaus aus dem gleichen Jahr erleben. Besonders viele alte Inszenierungen haben sich von Humperdincks „Hänsel und Gretel“ gehalten: Hannover bietet eine Produktion von Stefan Tiggeler aus dem Jahr 1964, die Deutsche Oper am Rhein eine Inszenierung von Andreas Meyer-Hanno aus dem Jahr 1969, Mannheim Wolfgang Blums Produktion von 1970 und Hamburg spielt die Peter-Beauvais-Inszenierung von 1972. Zu den deutschen Häusern mit vielen Inszenierungsklassikern gehört auch das Nationaltheater Mannheim. Dort spielt man eine „Madama Butterfly“-Inszenierung von Wolfgang Blum (1969), „La Boheme“ in einer Inszenierung von Friedrich-Meyer Oertel (1974), eine „Fledermaus“ vom gleichen Regisseur (1978) und eine „Elektra“ (1980) von Ruth Berghaus.

Das absolute Schmuckstück des Hauses ist aber die legendäre „Parsifal“ von Hans Schüler aus dem Jahr 1957, der noch den Geist der Bayreuther Inszenierungen Wieland Wagners atmet. Hier ist man nicht nur von den Lichträumen des Bühnenbildes überrascht, sondern auch wie lebendig die Blumenmädchenszene choreografiert ist. Dazu fängt der Parsifal-Darsteller den von Klingsor geworfenen Speer eigenhändig im Flug. 

 

Nicht ganz so antik fällt das Angebot an der Staatsoper Stuttgart aus: Die älteste Inszenierung des Hauses ist Achim Freyers legendärer „Freischütz“ aus dem Jahr 1980. Außerdem hat man zwei Produktionen aus dem Jahr 1993 im Repertoire: Den von Beat Fäth inszenierte „Barbier von Seviglia“ und die „Traviata“-Inszenierung von Ruth Berghaus. Auch an der Bayerischen Staatsoper München kann man feststellen, dass sich Puccini-Opern besonders gut im Repertoire halten. Dort gibt es noch Ottos Schenks „Boheme“-Inszenierung von 1969 und eine „Madama Butterfly“-Produktion von Wolf Busse aus dem Jahr 1973. Zu den Regisseuren, dessen Inszenierungen lange nachwirken, gehört der 1988 verstorbene Jean-Pierre Ponnelle. Auch 32 Jahre nach seinem Tod ist sein Werk lebendig. In Hamburg ist ein „Liebestrank“ von 1977 zu sehen, in München, in Mailand und an der Rheinoper Düsseldorf/Duisburg seine „Cenerentola“ die ursprünglich 1969 in San Francisco herauskam. Doch damit nicht genug: Die Wiener Staatsoper spielt noch das Verismo-Doppel „Cavalleria rusticana/Bajazzo“ (1985) und „Die Italienerin in Algier“ (1987). Die Wiener Staatsoper hat sowieso viele Ausflüge ins Opernmuseum zu bieten: Von Otto Schenk werden dort noch Inszenierungen von „Der Rosenkavalier“ (1968), „Fidelio“ (1970) , „Die Fledermaus“ (1979) und „Der Liebestrank“ (1980) gespielt. An museumsreifen Inszenierungen hat das Haus am Ring auch Margarethe Wallmanns „Tosca“ (1958) und eine „Salome“ von Boleslaw Barlog (1972) im Repertoire.

 

Von August Everding haben sich nur noch zwei Klassiker auf den Bühnen gehalten: München spielt immer noch seine „Zauberflöte“ aus dem Jahr 1978, und die Berliner Staatsoper seine 1994er Produktion des gleichen Werkes. Die bietet aber noch mehr Museum, denn sie wird in den Bühnenbildern von Karl Friedrich Schinkel aus dem Jahr 1816 gespielt. Hier reist man also über 200 Jahre in die Zeit zurück. An der Dresdner Semperoper besteht das Museumsangebot vor allem aus drei Inszenierung von Christine Mielitz. Da gibt es eine „La Boheme“ von 1983 und einen „Lohengrin“ aus dem gleichen Jahr. Die „Fidelio“-Inszenierung von 1989 ist berühmt geworden, weil sie während der friedlichen Revolution in der DDR entstand. Zudem besitzt die Semperoper den derzeit ältesten „Ring des Nibelungen“, nämlich Willy Deckers Inszenierung, die von 2001 bis 2003 entstand. Das Alter dieser Produktionen bedeutet nicht zwangsläufig, dass sie altmodisch sind: Der „Barbier von Sevilla“ in der Berliner Staatsopern-Produktion von Ruth Berghaus (1968) in der Ausstattung von Achim Freyer, oder die Ponnelle-Cenerentola kommen auch nach 50 Jahren immer noch so spritzig daher, als seien sie gerade erst frisch inszeniert worden. Entscheidend ist hier, dass die Spielleiter der die Inszenierung lebendig halten und sorgfältig einstudieren. Auf der anderen Seite muss man sagen, dass bloßes Dekorationstheater auch schnell langweilig wird, wenn die Akteure nur herumstehen und die Personenregie und die Psychologie der Figuren vernachlässigt wird.

Einen echten Retro-Boom gab es übrigens 2017: Damals wurden die Dresdner „Elektra“ (1986) von Ruth Berghaus und der Bayreuther „Tristan und Isolde“ (1993) von Heiner Müller an der Oper Lyon zu neuem Leben erweckt. Bei den Salzburger Osterfestspielen inszenierte Vera Nemirova „Die Walküre“ in den Bühnenbildern von Günther Schneider-Siemssen aus dem Jahr 1967, und am Prager Nationaltheater rekonstruierte Katharina Wagner die Bayreuther „Lohengrin“-Inszenierung ihres Vaters Wolfgang Wagner aus dem Jahr 1967.

 

Man hätte sich gewünscht, dass sich die deutschen Opernintendanten von dieser Retro-Welle inspirieren lassen würden und wichtige Inszenierung der Operngeschichte neu beleben würden. Doch das Retro-Jahr 2017 ging an den deutschen Bühnen spurlos vorbei. Dabei gäbe es vieles wiederzuentdecken und auf seine Aktualität zu überprüfen: Wie würden wir heute Wieland Wagners „Parsifal“ von 1951 oder Wolfgang Wagners Bayreuther „Ring des Nibelungen“ von 1970 erleben? Wie Luchino Viscontis Mailänder „La Traviata“ von 1955 oder Harry Kupfers Dresdner „Moses und Aron“ von 1975?

 

Rudolf Hermes, 24.3.2020